Otro de los personajes que me ha presentado mi sobrina es BOB ESPONJA, del que prometo hablar en otro momento porque semejantes incoherencias son para contarlas… Lo encuentro en Clan, y gracias a que me he acabado muchos de los capítulos de ese ser amarillo descubrí a otro personaje con serie propia (francesa, y creada y dirigida por Alexandre So) que merece (aunque sea la mía) una atención especial. THE OWL (2003-2006) narra pequeñas anécdotas vividas por un búho “[…] color rosa al que le persigue la mala suerte […]”, como explican en Filmaffinity.
Elaborada en el Studio Hari (una compañía independiente especializada en animación en 3D que ha desarrollado una línea editorial enfocada a las familias -sea lo que sea que signifique esto-), comenzó como un primer capítulo (con una cabecera que ya presagia problemas) de un minuto de duración y que terminó como una serie de 52 en la primera temporada, tal y como cuentan en su propia página, donde te dan la oportunidad de conocer a otras de sus creaciones.
Aquí pueden ir directamente a EL BÚHO y ver varios capítulos. Me encantan... sencillitos (hay que ver el provecho que le sacan a la simpleza estética del bicho) y llenos de humor negro (que me divierte en la animación especialmente).
MUJERES DESEPERADAS (2004-) tiene una de las cabeceras más llamativas (a mi juicio) y con más miga de todas las que he visto. Hablamos de la historia de la mujer a través de cuadros representativos y más o menos conocidos para la mayoría (en un intento de criticar la falta de igualdad –mucho más visible en el universo heterosexual- que nos ha reducido en muchos casos a las féminas al mero papel de cuidadoras del marido, las criaturas y la casa).
A partir de uno de los varios ejemplos de ADAN Y EVA (1531) de Luca Cranach el Viejo (1472-1553) y una manzanota inventada que aplasta al hombre (tal vez con la intención de demostrar que ya es hora de que los varones asuman que si comieron la fruta prohibida es asunto suyo –por supuesto, esto, si le damos credibilidad a lo que dice la BIBLIA-), se llega al antiguo Egipto con una superposición de litografías, creo, de la reina Nefertari (siglo XIII a C, esposa de Ramses II –siglo XIII a C-, madre de una cantidad indeterminada de chiquillada y a la vez –que lo cortés no quita lo valiente- una de las mujeres más influyentes en la política de su territorio, querida por su pueblo y posterior ocupante de la tumba más espectacular del Valle de las Reinas) a la que un grupo de pequeñitos egipcios aplastan sin compasión: una analogía, tal vez, para quienes creen que la posibilidad de parir es sinónimo de la obligación de ello, y por extensión, a la idea de quien los pare los cría y cuanta mayor cantidad, mejor).
A posteriori, entran en juego el RETRATO DE GIOVANNI ARNOLFINI Y ESPOSA (1434) de Van Eyck (-1390-1441-,
donde la mujer –¿embarazada?- barre que te barre la mierda que su compañerito tira sobre lo que ya está limpio y al que enlazo a una explicación mayor de la pintura por el amplio significado del cuadro en sí), y AMERICAN GOTHIC (de 1930, enclavado en el Regionalismo norteamericano –lenguaje que glorificaba las comunidades rurales dadas a la austeridad y al puritanismo-) de Grant Wood (1891-1942), donde un esposo (que mira a cámara) reseña con sus explícitos actos que mientras él conoce a otra chica (con apariencia de pin-up –según alguna fuente que leí, de Warhol, pero como no he podido corroborarlo sólo lo dejo caer-), ella debe recluirse en casa, en la cocina para ser más exacta, sitio en el que se transforma en lata de sardinas, una lata abandonada sobre el poyo (y a la que se le volverá a dar importancia cuando el maridín tenga hambre, o quiera una camisa limpia, o planchada o…, o…, o….
La modernidad entra en vigor y aunque la mujer del siglo XX ha conseguido algunas satisfacciones (trabajar para ganar su propio dinero, poder elegir a su futura pareja, llegar a estudiar una carrera universitaria, decidir en la crianza de sus hijos o hijas, o simplemente tomarse un café donde le apetezca) el patriarcado aún perdura y con ello la situación de desigualdad entre los géneros: veamos, ¿qué hacían los hombres norteamericanos –dado que la cabecera es de una serie estadounidense- a mediados del siglo?, luchar en la guerra, ¿y las
mujeres?, trabajar en las fábricas para que la economía del país no se debilitara y encargarse de llevar comida a casa, ¿qué hicieron los hombres al regresar de la guerra?, volver a las fábricas, con lo que adiós y muchas gracias para las que mantuvieron la economía nacional a flote durante estos años. Con esto quiero decir que hiciesen lo que hiciesen las mujeres siempre estuvo marcado (y aún lo está para la mayoría) por la decisión previa del varón. La diferencia de pensamiento queda clara si leemos las palabras del cartel de Dick Williams (que ni encontré cuándo nació ni sé si está muerto o no) que se muestran en la cabecera: “AM I PROUD!: I'M FIGHTING FAMINE,BY CANNING FOOD AT HOME” (algo así como “¡ESTOY ORGULLOSA!: ESTOY LUCHANDO CONTRA EL HAMBRE CON LATAS DE CONSERVA EN MI CASA”), un cartel de 1946 que comparándolo con su previo de 1944 nos deja más clara la idea explicada con anterioridad, “OF COURSE I CAN!: I'M PATRIOTIC AS CAN BE, AND RATION POINTS WON'T WORRY ME!” (que traducido sería “¡POR SUPUESTO QUE PUEDO! : SOY UNA PATRIOTA COMO DEBE SER, Y LOS PUNTOS DE
RACIONAMIENTO NO ME PREOCUPAN!”). La chica del cartel ha pasado en dos años de ser la encargada de buscar el pan fuera a encargarse de asegurarlo dentro. En ambos una mujer de ojos abiertísimos carga con dificultad muchas latas, incluida la señora transformada en conserva y esa archiconocida LATA DE SOPA CAMPBELL (de tomate) del ya mencionado Warhol (1928-1987), que mucha gente pone verde por simple y sin embargo, guste o no, fue (y aún es) un símbolo del arte popular bajo aquello que dice que todo es sensible de transformarse en arte (idea que los provocadores dadaístas –en busca de un lenguaje contrario al establecido en aquel momento- ya pusieron en marcha durante la segunda década del siglo XX).
El rollo pop prosigue con lo que yo creí que eran muestras de Roy Lichtestein (1923-1987), ¡mentira!, se trata de una mezcla entre COUPLE ARGUING y ROMANTIC COUPLE, ambos ejemplos de Robert Dale (del que tampoco hallé información) en los que se muestran dos parejas heterosexuales en diferentes circunstancias: la primera discutiendo, la segunda enamorando. Todo alude a la ola de agresividad experimentada en las últimas décadas (con más ganas, porque este tipo de asuntos no es nuevo) por los hombres que no creen en la igualdad de géneros, ola que se subraya porque cada vez existen más mujeres que toman de forma individual las riendas de su vida, lo que choca totalmente con las aspiraciones de los anteriores sujetos. El chico del primero y la chica del segundo son colocados en una única imagen (tal vez porque la chica de ROMANTIC COUPLE parece tener más seguridad que la pareja del joven de ARGUIN COUPLE): él parece maltratarla oralmente y ella, llorando, ni corta
ni perezosa, en un intento de variar la historia de sus congéneres femeninas, le larga un gancho de derecha que le deja un ojo morado. ¿Colorín colorado, este cuento se ha acabado?, ¿será que las mujeres se han puesto las pilas y han decidido gritar NO al maltrato de los varones con todo lo que esto conlleva?, ¿pero pegando ellas también?... La violencia sólo engendra violencia, nunca acaba bien, aunque con todo lo que se escucha en los telediarios apetece ir de heroína y transformarte en una chica con un bidón de gasolina y una cerilla y hacerlo estallar todo por los aires…
Para terminar, dos últimos detalles:
- La música se debe a Danny Elfman (creador también de las piezas de entrada de LOS SIMPSON, FUTURAMA, y temas de BEETLEJUICE, SLEEPY HOLLOW, SUPERMAN, SPIDERMAN… ¡vaya tela!).
- Las diferencias temáticas entre las distintas temporadas ha dado lugar a muchas fotos y videos promocionales geniales que para no alargar más esta entrada he resumido con un video que las une todas al compás del COME ON CLOSER de Jem (tema que sirvió para el lanzamiento de este montón de señoras desde su primera temporada). Dicho video nos muestra partes de las segunda temporada –donde usaron las manzanas como símbolo de la tentación-, de la tercera –en la que se deja claro que la ropa sucia se lava en casa-, de la cuarta –que habla de los secretos mejor guardados entre fotos ambientadas en los años 50 al son de Jennifer López-, de la quinta –que usa otra vez las manzanas- y de la sexta –donde queda claro que las amas de casa también pueden ser peligrosas-: una colección de imágenes que quitan el hipo (pese a la rotunda falta de naturalidad en todas ellas).
Para todas aquellas personas que afirman que mi habitación de la COCINA en relación al arte no tiene razón de ser…
En 1881 “Don Valeriano López Lloret […] adopta el oficio de xocolater e inicia la actividad que dará lugar a la empresa actual […]” de Chocolates VALOR. Lo entrecomillado son palabras textuales de una firma que comenzó hace 127 añitos y que, con motivo de su 125º aniversario ha creado una sección especial en su página que me ha hecho la boca agua.
Yo no tengo especial debilidad por los chocolates de esta marca, sí por el chocolate en general, más que debilidad, adoración, es lógico pues que la tome en cuenta, sí por todas las maravillosas formas en las que puede llegar el chocolate hasta mí; tal vez por eso esta sección me llamó tanto la atención. En ella se narra la historia de VALOR en una pestañita que reza LA HISTORIA MÁS DULCE, o la historia del chocolate en otra llamada UN PASEO POR LA TRADICIÓN; elaboración, cata, surtido especial para el evento de bombones y de trufas en UNA FIRMA QUE DA SENTIDO AL PLACER que me puso los dientes largos, largos… ¡qué bonitos, no me duran ni una tarde!, y finalmente ARTE EN CHOCOLATE, donde nos dan a conocer a los maestros Xiu Xul y Lluís Morera y una serie de esculturas, poquitas, que seguro me harían acabar en el calabozo por daños a la propiedad privada.
Autor. El Greco (Domenikos Theotokopoulos, -Candía, Creta, 1541 - Toledo, 1614-).
Fecha. 1586-1588.
Localización. Iglesia de Santo Tomé (Toledo, España).
Técnica. Óleo sobre tela.
Medidas. 480 x 360 centímetros.
Estilo. Manierista. ¿Por qué?: presenta una serie de características que la encasillan en este lenguaje, y son, entre otras, alargamiento de las formas y en consecuencia, estilización de las figuras, recorte de dichas figuras y retorcimiento (o escorzo) de las mismas, uso de colores brillantes y de luces artificiales para enfatizar el sentimiento de desasosiego, horror vaqui (con el que se cae en el terror al vacío, de ahí que se intente llenar todo el espacio pictórico (sin embargo, esta característica se hará más patente en el próximo Barroco) y falta de profundidad en la escena (lo que nos hace dudar de dónde acaba el suelo y dónde comienza el cielo, y de si se está al aire libre o no). Se trata de un estilo que nace para contraatacar al clasicismo imperante y con él su armonía, su equilibrio, y en general la lista de normas que lo convierten en un arte no dado a la imaginación.
Historia: En 1586, el párroco de la Iglesia de Santo Tomé (Andrés Núñez de Madrid) contrata a Theotokopoulos para pintar un lienzo que debía representar elmilagro acaecido en 1323 en dicha iglesia durante el entierro de Gonzalo Ruiz deOrgaz, del que cuentan que los santos Agustín y Esteban bajaron del mismísimo firmamento para enterrarlo con sus propias manos. Este gesto del párroco sólo buscaba la renovación de la fe del pueblo toledano recordándoles el episodio del señor de Orgaz, y con ello, la renovación de las donaciones a Santo Tomé, donaciones que la sucesión del caballero estaba haciendo desde la muerte del citado, pero que ya, dos siglos después, no veían razón para seguir con ellas.
Descripción. La pintura muestra dos zonas bien diferenciadas estilísticamente hablando, una terrenal y realista (en la que se representa el entierro de Orgaz) y otra celestial y alucinante (en la que su alma alcanza la gloria).
Personajes.
- En la parte inferior, para empezar, el fallecido (con armadura de caballero) y los dos santos, San Esteban (el primer mártir), quepresenta sobre su casulla una imagen alusiva a su propio martirio (lapidación) y San Agustín (obispo), con la túnica adornada con personajes de la Santa Iglesia (en orden descendente San Pablo, Santiago el Mayor y Santa Catalina de Alejandría); a la izquierda, un niño, en concreto el hijo del pintor (Jorge Manuel) a la edad de 10 años, lo que se sabe por la reseña del pañuelo (que marca la fecha de 1578 –una década antes de la finalización del cuadro-) que sobresale de su bolsillo (y en el que se deposita aparte la firma del artista), que nos mira (como nos mira entre la fila de cabezas, su padre, autorretratado con sutileza entre los personajes de la época); detrás del niño, de izquierda a derecha, el Mayordomo de Santo Tomé en la esquinita (Juan López de la Quadra), un fraile franciscano (con hábito gris), otro agustino (con hábito negro), Diego de Covarrubias (representante de la llamada Escuela de Salamanca del Siglo de Oro español), un tercer fraile, dominico (con la coronilla pelada), El Greco (observándonos) y el alcalde de Toledo (aunque otras fuentes hablan de un descendiente del difunto), gesticulando con ambas manos; a partir de aquí se hace más difícil identificar a los personajes, que debían ser, la mayoría, personalidades importantes de la época o gente significativa para el artista, sin embargo, aún se pueden señalar con gran acierto a Alonso de Covarrubias (de perfil, barbado, de cabellos blancos, familia de Diego de Covarrubias y maestro mayor de la construcción de la catedral toledana), y detrás, mirando al cielo, Francisco de Pisa (erudito que escribió sobre el fenómeno de Santo Tomé); asimismo, a la derecha, destacar al oficiante que lee el responso (de perfil) y al clérigo parroquial (de espaldas) Pedro Ruiz Durón, contrapuestos estéticamente (y socialmente también) porque el primero lleva una rígida capa bordada con hilos de oro y el segundo un sobrepelliz litúrgico blanco, casi transparente, que remarca sin ninguna duda la perfección de trazo del pintor.
La fila de personajes en la zona terrenal, pese a estar dispuesta bajo las mismas características individuales (es decir, ropas negras –alguna de ellas demostrando la cruz de la orden de Santiago-, uso de las gorgueras, etc., tal y como creía Carlos I -1500-1558- que era el ideal de dignidad) no supone un orden monótono: precisamente ello se rompe gracias a los gestos de las manos de algunos de ellos y al hecho de colocar las cabezas mirando en diferentes direcciones, con distintas expresiones, lo que implica, al mismo tiempo, muchos modos de ver la muerte. La muerte, que el artista representa en el rostro de Orgaz de forma grisácea, en un choque absoluto con el colorido del resto de las caras, sobre todo las más jóvenes (el niño, el propio autor y San Esteban).
- La parte superior separa entre nubes diferentes escenas. Empezando por el ángel que porta el alma del Señor deOrgaz (a modo de feto protegido por una crisálida) que va a ser introducida en la vida eterna (pintada con forma de útero según la tradición bizantina), seguimos con la representación de María (que acoge el nuevo alma, vestida de rojo –madre carnal- y tapada con el manto azul –virgen celestial-); sobre ella, su hijo vestido de puro blanco (es la zona más iluminada de la pintura) ordena con la mano a San Pedro (a su diestra, de amarillo y portando las llaves del Paraíso) que abra las puertas del cielo; a la izquierda de Cristo, el grupo de bienaventurados, entre los que destacan, San Juan Bautista (casi desnudo), San Pablo (pilar de la Iglesia, de violeta –tono que simboliza dentro de la religión cristiana la penitencia y la humildad-), Santo Tomás (titular de la iglesia toledana, vestido de verde -esperanza- y amarillo -optimismo-), el Papa Sixto V (1521-1590, barbado, también con ropas amarillas, Papa de aquellos años y por lo tanto vivo todavía) y la cabeza de Carlos I (que tampoco había muerto aún, pero El Greco lo pintó a modo de respeto –debería tomarse en cuenta que al monarca jamás le gustaron los modos profesionales del griego, lo que le renegó a trabajar fuera de la Corte-).
Dos escenas más en esta parte celestial deben ser mencionadas por la importancia alegórica que abanderan: a la izquierda del conjunto, Noé, Moisés y David (símbolos del Bautismo, la Ley Cristiana y la Oración respectivamente, tres actos que se asocian a la figura de Orgaz); en el otro lado y a la misma altura, se representa el milagro de Lázaro (que encarna la resurrección).
Curiosidades.
- Don Gonzalo Ruiz en realidad no era conde, ya que el condado de Orgaz no se constituyó hasta el siglo XVI.
- En la actualidad esta obra no se encuentra en el mismo lugar para el que fue concebida, antes presidía la primitiva capilla funeraria situada en la nave del Evangelio (la izquierda mirando desde los pies del templo), donde permaneció hasta 1975, fecha en la que se habilitó una sala en el ábside que permite su contemplación sin tener que entrar en la iglesia.
- EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ es un retrato de grupo del que no existe paralelismo en el arte español, lo que lo convierte en una obra primigenia que será tomada como ejemplo a partir de entonces (sobre todo en los Países Bajos).
- La obra alude a recursos estético y estilísticos de distintos creadores: para empezar, desarrolla el tema de las misas de difuntos y difuntas, que tiene su precedente en la MUERTE DE SAN FRANCISCO(1290-1300) de Giotto (1267-1337), así como las figuras del conde y los santos que sujetan su cuerpo siguen el tipo de composición ideada por Rafael (1483-1520) en su ENTIERRO DE CRISTO (1507). La distribución a dos niveles, terrenal y celestial, tiene su precedente más directo en el ALTAR DE LA ASUNCIÓN DE LA VIRGEN (1517) de Tiziano, de donde se toma también su formato rematado en forma semicircular. Un recurso muy utilizado durante el Renacimiento, recuérdese EL SANTO ENTIERRO (1541-1544) de Juan de Juni (1507-1577, en este caso hecho con la figura de José de Arimatea), será la posición que ostenta el niño en EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ, mirándonos, invitándonos a entrar en la pintura. El colorido es sin duda, influencia de la escuela veneciana (que durante el Renacimiento destacará por ello) y sus máximos exponentes Tiziano (1477-1576) y Tintoretto (1518-1594) y el trabajo manierista de las anatomías es influjo directo de la escuela de Roma de la que Miguel Ángel (1475-1564) fue el más grande: El Greco aprendió todo esto durante su estancia en Italia, en la que pasó casi diez años.
Estado de conservación. Porque el cuadro no se ha movido de su emplazamiento inaugural, se conserva en muy buen estado; sufrió su primera limpieza en 1672; en el siglo XIX se le habilitó un nuevo marco; a mediados del siglo XX el barniz que lo protegía demostraba tonos amarillentos que no dejaba ver los verdaderos colores de la obra; en 1975 se cambió de lugar y se aprovechó para una restauración más minuciosa por parte de ICROA (Central de Restauración y Conservación de Obras de Arte, antecedente del actual Instituto del Patrimonio Histórico Español), con la que le devolvieron parte de su primer colorido.
Bibliografía e Internet.
- EL GRECO, Francisco Calvo Serraller (1994), Alianza -Cien- Editorial, Madrid.
- EL GRECO, Michael Scholz-Hänsel, (2007), Editorial Taschen, Colonia.
Impresiones personales. Fue en 1996 o en 1997 (no recuerdo el año exacto) cuando viajé (junto a Carol) a Toledo. Ella iba a asistir a un curso de Fisioterapia que se daba en la zona nueva de la ciudad, así que me tuve que empapar sola la zona histórica, que es la que merece la pena, y entre todo lo que vi estuvo Santo Tomé (y con ello EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ). Al principio todo estaba bastante oscuro, o me lo pareció a mí que me quedé momentáneamente deslumbrada por culpa de la claridad exterior. Las primeras cabezas fueron las de la gente más alta que yo que estaba frente a la obra, observándola, confundiéndose éstas con las de los caballeros españoles del renacimiento de nuestro país que el artista había colocado seguidas como una gran barrera entre lo real y lo imaginario. Por eso eché la vista arriba y descubrí la magia del Greco. No sé si el tamaño, o el colorido de la obra pese a estar en un lugar en el que la luz no es la adecuada, ayudaron a mi juicio, pero lo más impactante fue precisamente algo que se salía de los parámetros de la sensatez y era su atmósfera: nubes polucionadas de un espacio sin espacio, que sostenían como sábanas petrificadas a los diferentes personajes de caras de ceniza… y de pronto, fogonazo rojo en el traje de María, fogonazo amarillo entre los bienaventurados…
La zona inferior, cuando la pude ver un poco mejor, sólo un poco, que aquello comenzó a hacerse imposible al poquito de entrar, me descubrió un trabajo pictórico sobre las representaciones de las telas que me volvieron a dejar perpleja, no sólo por los aparentes brocados de las casullas, que allí hubiera jurado que estaban hechos realmente con hilo de oro, sino por la transparencia del sobrepelliz del clérigo Ruiz Durón, un trabajo espectacular donde sobresale un gran realismo (zonas arrugadas, caída de la tela, uniones de cosido, etc.), justamente lo contrario de lo que se exponía en la zona superior.
Cuando salí de allí no recuerdo a dónde fui, pero sí recuerdo que sólo por esta obra decidí que El Greco ya era uno de los mejores pintores del mundo. Más de diez años después, hoy, vistas las fotos de muchas obras suyas y vistas cara a cara otras tantas, vistas las obras de otro montón de artistas, en libros, en Internet, en museos, en la calle… sigo pensando lo mismo.
De Edgar Allan Poe (1809-1849, aquí pintado porMichelle Walker en esta obra del 2002) sólo me he leído tres cosas: una, pecando de ser acusada de nada original, es un poema de 1845 (EL CUERVO) y las otras dos, siendo menos original aún en la lectura de este autor, un par de cuentos: respectivamente, EL CORAZÓN DELATOR (1843) y EL GATO NEGRO (1843). Sin embargo esto no es más que un granito de arena en la inmensa playa de este escritor. Sus obras, conocidas en todo el planeta, sobre todo sus cuentos, han sido trasladadas a la cinematografía y a la televisión con menor o mayor acierto (el resto de las versiones, otros artes, otros formatos, los dejaremos para otro instante): así nos lo cuenta Alejo Moreno en LA ALARGADA SOMBRA DE POE.
De las tres obras mencionadas hoy he decidido elegir la tercera: EL GATO NEGRO. Y de entre todas las diferentes versiones para ser vistas en una pantalla de cine (o en su defecto en una tele grande) voy a nombrar solo una, preciosa y brasileña titulada O GATO PRETO, hecha en la Escola Animada de Contagem (Minas Gerais) y dirigida por Cristiane Fariah (ni idea de quien es, lo que me fastidia porque este trabajo suyo me encantó), en el que se aúnan ciertas maneras del cine mudo (cartelas con títulos explicativos y música de teclado, por ejemplo), el stop-motion (ya saben, imagen fija a imagen fija) y la estética del expresionismo cinematográfico alemán (distorsión de las formas reales para aumentar el dramatismo, atmósferas oscuras, uso del simbolismo, temática de terror… no hay más que aludir a las conocidísimas NOSFERATU -1922, aunque hay otra adaptación de 1979 y hasta un tercer trabajo relacionado de 1988-, y EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI -1920, aparte la versión del 2005-).
El stop-motion es una técnica de animación que consiste en aparentar un movimiento que no existe en objetos (reales y quietos). Para conseguirlo se sacan cientos de fotografías y se graban seguidas (tras una exhaustiva elección, imagino), formando éstas una evolución en la acción, paso a paso, de lo inanimado. Hasta aquí nada nuevo, sin embargo, por si yo no me sé explicar, ahí va uno de los más clásicos botones al respecto.
Pero esta introducción es sólo para enlazarlo con algo más actual. ¿Han visto el último anuncio de Loterías del Estado?, bueno, uno de ellos, porque su éxito ha conseguido otras versiones.
Fantástico, hermoso, sí, curioso, incluso usando esta técnica que se remonta a principios del siglo XX lo es, y hasta sabiendo que remeda el video de la canción HER MORNING ELEGANCE (de Oren Lavie, del CD THE OPPOSITE SIDE OF THE SIDE), lo es.
El video-clip (con 3225 fotografías aproximadamente) es un trabajo hecho por Yuval & Merav Nathan (y el fotógrafo Eyal Landesman y el propio Lavie), dos mentes creativas que dirigen Onewingfly.com, donde el nombrado stop-motion bien podría considerarse una de sus señas de identidad, y está protagonizado, junto al cantante israelí, por la actriz Shir Shomrom.
Es maravilloso cómo un sólo punto de vista (plano cenital sobre la cama), fijo, puede dar tanta energía y fluidez al conjunto, y más que maravilloso es que también se cuente una historia con ello.
A sido tal el barullo de páginas que he visitado para colgar este post que lo único que me resta es dar gracias a Internet.
Lo abrí nerviosa y lo leí tranquilamente, estirándolo varios días (104 páginas no daban para mucho tiempo) para paladearlo mejor; me reí mucho (menos que la primera vez) y si antes pensé que los dibujos de Torres eran geniales, ahora pienso que algunos son verdaderas obras de arte (por ejemplo la portada y la contraportada).
Otra vez, al final del tomito, una serie de artistas que siguen al tierno Howie han puesto su granito de arena, formando una galería maravillosa que me ha descubierto, sobre todo, a dos genios del dibujo: Blanca Gimeno, fabulosa, ya la quisiera yo para que me ilustrara el cuento que algún día le escribiré a Andrea (nota mental) y Dani Alarcón, impresionante de verdad.
A quien le interese y para ser justa, creo que debo nombrar también al par de pares de artistas que me llamaron la atención con más fuerza en la galería de El Joven Lovecraft I; ahí van los portafolios de Oriol Hernández y Miquel Montlló, y las páginas de Dani Cruz y Meritxel Ribas Puigmal (esta última me ha dejado muda).
